Зберегти і прочитати потім -

Роб Уейр (Rob Weir): Система запису визначають зв'язок між композитором і музикантом. Чим докладніше музична нотація, тим сильніше вплив композитора на виступ. Чим менше докладна запис, тим більше у виконавця волі дії.

Спочатку музична нотація була не дуже докладної, але з плином часу її точність стала рости. Наприклад, в музиці початку епохи Відродження не існувало позначень для темпу або динаміки - вибір залишався за виконавцем.

У музиці Бароко використовувався генерал-бас - прийом, коли музикант імпровізував, грунтуючись на певних акордах, як зараз роблять сучасні джазові виконавці.

За часів Бетховена темп задавали за допомогою метронома, але навіть це залишало місце для імпровізації, наприклад, в каденції.

Тепер подивіться на симфонії Малера, написані на кордоні XX століття. На кожній сторінці залишено величезну кількість докладних заміток.

Івон Карутерс (Yvonne Caruthers): Відповідь Роба зачіпає кілька важливих тем. Повинна додати, що завдяки музичних записів студенти можуть навчатися, використовуючи досвід минулих поколінь ( «відкриття» Мендельсоном Баха).

Типи нотації у різних композиторів відрізняються один від одного - як різниться і їхнє ставлення до нотного запису. Бетховен часто писав партії концертів для фортепіано з оркестром, але не робив детальну записи партії, яку грав сам. Навіщо витрачати на це час? Вона була у нього в голові, і він знав, як її грати. Щоб цей концерт міг зіграти інший оркестр з іншим піаністом, Бетховену все ж доводилося записувати партію піаніно.

Деякі композитори записували все виступ у вигляді ескізу партитури для фортепіано, залишаючи оркестровку наостанок (або просили когось щось завершити роботу за них), інші - докладно записували повну версію.

Роб привів в приклад симфонію Малера як одне з докладно записаних музичних творів, я ж вважаю, що найбільш докладно свої твори записував Барток. В кінці кожної п'єси для фортепіано він уточнював час на її програвання. Це означало, що якщо виконувати п'єсу строго в заданому темпі, її тривалість складе стільки-то секунд (або хвилин). Це була відповідь Бартока на появу експресивних виконавців, які занадто вільно, на його думку, змінювали твори.

Девід Лі (David Leigh): Я вважаю, що музична нотація сильно вплинула на історію музики.

Музика, на відміну від тексту в книзі, записується за допомогою скорочень. Щоб зрозуміти книгу, досить прочитати її вголос або про себе - порядок, в якому розташовані слова, впливає на наше з вами сприйняття - ми можемо уявити собі події, що відбуваються. Що стосується музики, то просто «прочитавши» ноти, не можна отримати повне уявлення про мелодії. Той факт, що у музикантів є спеціальний набір «стенографічних» символів, неймовірно важливий.

Давайте розглянемо три способи візуалізації музики, і то, як би змінилося наше уявлення про неї, якби вони стали основною формою нотації.

Спектрограма - представляє співвідношення тривалості, частоти і амплітуди звуку. На зображенні нижче представлена ​​спектрограмма простої мелодії, зіграної на скрипці.

Ось спектрограмма виступу Рашель Гілмор (Rachele Gilmore), яка виконує каденцію в арії ляльки Олімпії з опери «Казки Гофмана»:

Очевидно, що цей спосіб запису добре відображає манеру виконання, але слабо передає висоту звуку і ритм. Іншими словами, якби композитор записував твори таким чином, то витрачав би дуже багато часу, уточнюючи в який саме тональності потрібно грати кожну ноту. Ця система не дуже підходить для точної передачі висоти звуку і ритму.

Так все виконавці будуть звучати майже однаково. У теорії, існувало б одне ідеальне виступ, і все б дорівнювали на нього. Саме тому ми не використовуємо таку систему, але якщо б ми все-таки її використовували, то наше уявлення про музику було б зовсім іншим.

«Гвідонова» рука. Її використовували в дванадцятому столітті, але не для запису музики, а для навчання.

Суть цієї системи в тому, що з її допомогою можна передавати звукові переходи, використовуючи мову жестів. Вона сприяла розвитку контрапункту, популярної музичної концепції того часу, так як дозволяла будувати гармоніки дуже простим і зручним способом.

«Гвідонова» рука в основному використовувалася в багатоголосому співі і рідко застосовувалася для стандартизації ритму і створення складних гармонік. Якби музика представлялася в такому вигляді, то імпровізувати стало б простіше, і, швидше за все, ми б не побачили блок-акордів, які так популярні сьогодні.

«Стандартна музична нотація». Іншими словами - те, чим ми зараз користуємося.

У порівнянні з іншими системами, описаними вище, ця має чіткі позначення тривалості звуків. У ній точно визначено їх висота і тональність мелодії, а також даються вказівки щодо характеру останньої, але строго в рамках заданого ритму. Інформація про рівень експресивності виконання передається фігурально і залежить від контексту.

Система не конкретизує, наскільки гучним повинен бути «форте», або як м'яко повинен звучати «піано», що означає «дольче» або «тенуто». У даній системі у виконавця менше контролю, ніж в інших, але це не заважає імпровізувати.

Цікаво те, що все могло бути зовсім не так. Коли ця система була сформована, написаної музики було не так багато, і композитор завжди був присутній при виконанні свого твору. Виконавцю давалася можливість імпровізації, проте система запису чітко позначала силу звуку і ритм, тим самим не допускаючи помилок в інтерпретації.

Зараз це не так актуально, але ми продовжуємо використовувати цю систему - вона відкрила нам ту музику, яку ми знаємо сьогодні.

Варто сказати, що поп-музику рідко записують так само, тому що ті елементи, які описує стандартна нотація, в ній не використовуються. Нотний запис сучасної класичної музики містить дуже багато нотаток, що стосуються мелодії і ритму (тобто того, що може контролювати композитор), тому що методи навчання музиці залишилися колишніми.

Якщо, скажімо, композитори почали б записувати музику, використовуючи спектрограми, то навчати виконавців довелося б зовсім іншим способом. Написана музика теж сильно відрізнялася б від існуючої.