Акварель - одна з найскладніших і загадкових технік. Секрет її, на перший погляд, досить простий: розчинені у воді дуже дрібно розтерті частки пігменту створюють прозорий барвистий шар, проникний для світлових променів, які, відбиваючись від білої поверхні паперу, підвищує інтенсивність звучання кольору. Але таємниця чарівності, незмінною привабливості акварельного техніки, її вічної молодості і актуальності залишається нерозгаданою. Вільне перетікання тонів, м'якість переходів і насиченість колористичних співзвуч, активна роль паперу, її тону і фактури - все це повідомляє акварелі ні з чим незрівнянні чарівність і вишуканість. Майже не допускає переробок і правок, ця техніка вимагає від художника особливої ​​чуйності, вірності очі і руки, віртуозного володіння кольором і формою. Справжньому майстру вона дає можливості нескінченного розмаїття ефектів.

Історична картина розвитку техніки складна. Вона не складається в єдиний і поступальний еволюційний процес, хоча загальна тенденція, спрямована на усвідомлення особливостей пластичної мови, формування естетики, відмінною від інших видів живопису, простежується досить виразно. В роботі аквареллю гранично розкривається темперамент художника, оголюється самий нерв його творчої індивідуальності - почуття кольору, ступінь і характер колористичної обдарованості. Саме тому історія акварелі демонструє різноманітність напрямків, багатство самостійних манер, стилів і почерків, ніби змагаються у своїй неповторності.

Поряд з яскравими досягненнями великих майстрів, які позначають вершини її можливостей, надзвичайно важлива і загальна культура акварелі, створювана працями широкого кола професіоналів, а іноді просто любителями і відображає світовідчуття покоління.

Історія акварелі в Росії починається з XVIII століття - нею користувалися при «иллюминировании» гравюр і архітектурних проектів. В кінці століття акварель стає вже самостійним видом мистецтва, що володіє власними засобами виразності і художньою мовою.

Техніка акварелі прийшла в Росію, як і в багато країн Європи з Англії. У практиці англійської акварелі склалася певна система прийомів роботи «по-сирому», фарба наносилася широкої заливкою. Загальний тон підпорядковував собі інші кольори - художнє враження будувалося на поступових, ледь вловимих тональних переходах. Найбільш ранніми прикладами цієї «англійської манери» можуть послужити акварельні видові ландшафти М.М. Іванова, а так само рідкісна для свого часу за жанром робота Г.І. Скородумова «Портрет І.І. Скородумова »(1790-е), що представляє величезний інтерес, оскільки її автор довгий час жив в Англії і сприймав техніку англійської акварелі в найбільш чистому вигляді.

Ранні роботи родоначальника жанру П.Ф.Соколова розкривають своє походження від портретної мініатюри - в характерному малому форматі, овальної композиції, особливою трактуванні простору листа. Згодом цей зв'язок втрачається, зображення обережно освоює всю площину паперового листа, мазок стає широким, вільним і різноманітним, фарби - прозорими, легкими. Виконані за один сеанс, роботи Соколова 1820-х - початку 1830-х років сповнені тонкого чарівності дружнього діалогу між художником і моделлю.

Батьківщиною різновиди акварелі, що набула поширення трохи пізніше, була Італія. В італійській акварелі художник пише по-сухому. Тона накладаються один на інший поступово, після висихання попереднього шару мазками градації кольору посилюються від світлого до темного. Італійську акварель відрізняли звучне багатобарвність, пластичність, яскравість і напруженість колориту. Провідниками «італійської манери» стали члени великої російської художньої колонії в Римі, пенсіонери Академії мистецтв і перш за все - К.П. Брюллов. Велику роль у розвитку акварелі в Росії грав пейзажний жанр. Тут поряд з творами, виконаними виключно аквареллю, показові і роботи, що поєднують акварель з гуашшю - «Вид Царськосельського парку» (1793 г.) Ф. де Мейса, «Млин і вежа Піль в Павловську» (не раніше 1797 г.) С. Ф. Щедріна, а так само гуаш з «ефектом акварелі», наприклад «Ставок в парку Царського Села» (початок 1810-х рр.) А.Є. Мартинова. Вони демонструють походив на рубежі століть процес осмислення відмінностей властивостей водорозчинних фарб, їх взаємодія з папером.

Важливою лінією у формуванні акварельного пейзажного жанру стали архітектурні види і фантазії - ведути, - виконані архітекторами. Серед такого роду творів - «Італійський пейзаж. Рим »(1762-1764 рр.) В.І. Баженова, «Казанський собор в Петербурзі» (1800 г.) О.М. Вороніхіна, «Пейзаж з руїнами» (1800-ті рр.) Дж. Кваренги. Блискучим майстром ведути, родоначальником міського пейзажу в Росії був Ф.Я. Алексєєв. Його листи «Вид на Михайлівський замок у Петербурзі» (1799-1800 рр.), «Вид на Казанський собор» (1810-і рр.) Відрізняє витонченість техніки. Прозорі перлинні відтінки кольору, досконалість архітектурних форм, майстерно розставлені кольорові акценти стаффажних фігурок надають відбитим ансамблям чарівність і гармонію ідеалу. Традиції Алексєєва продовжував його учень М.М. Воробйов, який створив один з найбільш проникливих образів Петербурга в російській мистецтві. У його малюнках з подорожей вжитих для «зняття видів», топографічна точність поєднується з дивовижною свободою, емоційність манери виконання - з крайньої умовністю художньої мови.

Акварельний пейзаж набув широкого поширення, як в колі професійних художників, так і серед любителів. Любительське малювання в цілому і акварель зокрема - істотна складова мистецтва початку XIX століття. З середовища художників - аматорів виходять такі великі майстри, як П.А. Федотов і Ф.П. Толстой. Особливу чарівність раннім акварелям Федотова (парні портрети подружжя Колесникових 1837 р .; «Прогулянка» 1837 .; «Перехід єгерів вбрід на маневрах» 1844 г.) повідомляють безпосередність і щирість. Роботи Толстого - несподіваний поворот у розвитку акварелі. Вони є досить умовним можуть бути зараховані до цієї техніки: художник сам розтирав і готував фарби, які представляли собою щось середнє між гуашшю та аквареллю. Авторські фарби дозволяли використовувати переваги обох технік - працювати і корпусними мазками і найтоншими лессировками.

Інтенсивність і плідність акварелі залежала від ступеня її затребуваності, від того на скільки її мову відповідав естетичним категоріям епохи. В епоху романтизму акварель вперше по-справжньому набуває самостійності. У ранг ведучого жанру того часу був введений портрет. Часом здається, що художні образи, створені майстрами першої половини XIX століття, не тільки втілили, але і сформували уявлення про ідеал епохи - душевний лад моделі, сам її вигляд, манеру поведінки.

Цікавими для цього часу є роботи К.П. Брюллова. Майстер жанрових сцен і пейзажів, Брюллов вводить їх елементи в портрет, така форма і ускладнювала мальовничу завдання і дозволяла в повній мірі проявитися потужному колористическому дару художника, розкріпачувала його «палкий художницький темперамент і плідне уява». Характеристика моделі у Брюллова підтримана багатоголоссям аксесуарів : Візерунком переливчастих складок тканин, ажурним малюнком мережива, грою фактур. Гордість зборів Третьяковської галереї - шедеври пензля К. П. Брюллова: великі парадні портрети Г.Н. і В.А. Оленіних (1827), М.І.Бутеневой з дочкою Марією (1835). Майстер жанрових сцен і пейзажів, Брюллов віртуозно вводить їх елементи в портрет. Така форма і ускладнювала мальовничу завдання, і одночасно дозволяла в повній мірі проявитися потужному колористическому дару художника, розкріпачувала його «палкий художницький темперамент і плідне уява».

Аквареллю, в портреті і жанрі, працював, крім Карла Брюллова (1799-1852) його брат - архітектор Олександр Брюллов (1798-1877). Т ворчество братів Олександра і Карла Брюллових представлена ​​самостійна лінія акварельного портрета. Скромному чарівності моделей Соколова протистоять поза, артистичний жест постановочних картинних брюлловской портретів, завжди, навіть при камерних завданнях, які зберігали репрезентативність. Акварелісти Василь Садовніков (1800-1879) і Людвіг Премацці (1818-1891), малювали імператорські палаци і пейзажі заміських резиденцій.

Унікальне акварельне спадщина А.А. Іванова. Це неперевершений ще рубіж майстерності володіння технікою і абсолютне вираження її суті. До акварелі художник звернувся, володіючи вже великим досвідом в живопису маслом. Навіть перші його графічні роботи ( «Жених, що вибирає сережки нареченій» 1838 рік; «Жовтневі свята в Римі» 1842 рік) вражають сміливістю і досконалістю. Відчувається захоплення художника перед відкрилися. Для Іванова акварель - це техніка мальовничих шукань, набуття нового колірного і світлового рішення простору. Написані швидко «на одному диханні» натурні пейзажі середини 1840-х - 1850-х років ( «Море на березі Неаполя», «Човни», «Вода і каміння»), дозволяють глядачеві відчути процес народження зображення від першого до останнього руху. Тема багатьох акварелей Іванова - сонячне світло. Немов усвідомлюючи унікальність художнього завдання, майстер відзначав твори подібного роду спеціальним поясненням «виконані на сонці». Акварель «Тераса, увита виноградом» представляє знаменитий експериментальний альбом Іванова, складений з майже монохромних натурних замальовок. У них сліпучий сонячне світло, втілений в сяючою білизною аркуша паперу, свавільно змінює форму і колір предметів, узагальнює обриси, створює ефект рухомої світло-повітряного середовища, тремтливою, що переливається матерії.

Вершиною творчості Іванова безсумнівно є його «біблійні ескізи». В умовності акварельного техніки, в принциповій незавершеності висловлювання, властивої природі ескізу, художник знаходить відповідність своїм задумом. У біблійних ескізах немає однаковості технічних прийомів - вони варіюються, поєднуються і народжуються заново в зв'язку з тією чи іншою мальовничій завданням. В одних листах фарби майже нематеріальне прозорі, в інших - акварель стає багатошаровою і набуває щільність і вагомість звучання. У композиціях, виконаних на темних паперах, ефект чарівного внутрішнього світіння досягається застосуванням білил.

Доля акварельного спадщини А.А. Іванова склалася так, що воно практично не мало ніякого впливу на мистецтво сучасників і найближчих нащадків. Відомі лише дуже вузькому колу осіб акварелі були дбайливо збережені братом художника С.А. Івановим і М.П. Боткіним, згідно з волею автора, який усвідомив «передчасність» своїх відкриттів. Частково опубліковані в 1870-і - 1880-і роки вони лише тоді стали важливим фактом мистецькому житті, які надали впливом геть покоління рубежу XIX - XX століть.

Після майже одночасного відходу зі сцени видатних майстрів-акварелістів П.Ф. Соколова, К.П. Брюллова і А.А. Іванова акварель переживає дуже складний період, зазначений серйозними змінами в розумінні завдання і призначення мистецтва окреслилися в суспільстві. Витончена естетика і вишукана культура акварелі з умовністю і артистизмом її мови в 1860-ті роки не цілком відповідали тим соціальним завданням, які висувалися нової художньої епохою. Позиції акварелі залишалися непохитними лише в таких традиційних для неї областях застосування, як видовий ландшафт, «італійський жанр», костюмований портрет. Тут дбайливо зберігалися традиції, професіоналізм виконання. Ретельно розроблені «картинні» листи К.Ф. Гуна, Ф.А. Броннікова, Л.О. Премацці, І.П. Раулова, А.А. Ріццоні, Л.Ф. Лагоріо трактують акварель як технічну різновид живопису. Твори сприйняли цю традицію художників демонструють дуже природну та неконфліктну зміну поколінь акварелістів - «консерваторів».

У художній системі Сурикова, а може бути, і в його житті акварелі відведено особливе місце. У цій техніці він постійно працював протягом майже 50 років. Еволюція його акварельного манери очевидна. Її початок позначено Сибірським циклом, виконаним влітку 1873 року до занять у Чистякова. Ці пейзажі об'єднує строгість колористичного рішення, побудованого на синювато-зелених, «які не знають сонця» відтінках, «немов підказали художнику самої суворої сибірської природою». Серія італійських акварелей 1883-1884 років - шедеври акварельного манери Сурикова. Йому підвладні перлове марево ранкового світла, що грає на білих стінах соборів, сліпуча яскравість помпейских фресок, буйство фарб карнавалу. Він пише і «повітряної, павутинної пензликом», прозорими тонами, ледь торкаючись до паперу, і шаруватими лессировками, і короткими, «зухвалими» ударами кисті, і широкими переливчастими затеками. Інша знаменита серія акварелей - іспанська - створена в 1910 році під час спільного європейського турне В. І. Сурікова і П.П.Кончаловского. Природно виникло між ними суперництво було не просто змаганням двох чудових колористів, представників різних поколінь, але плідним для обох зіткненням різних художніх систем. Акварель Сурикова, будучи дуже чуйним інструментом, вбирає в себе риси мистецтва Нового часу. Експресія кольору, його емоційна напруженість, гострота диссонирующих зіставлень, культ незавершеності змінюють його акварельний систему: він пише розмашистими рухами пензля, широкими вільними заливаннями по вологому паперу, доводячи «барвисту звучність акварелі майже до парадоксу, до перенапруження». Такі «Севілья», «Бій биків в Севільї».

В середині XIX століття акварель освоює нові сфери застосування - натурний етюд, ілюстрація, критичний побутової жанр, сатиричні замальовки. Кожен з цих жанрів скромно збагачує техніку якимись особливими рисами. У побутових сценках П.М. Шмельнікова відпрацьовується принцип взаємодії акварелі і олівцем малюнка, покладеного поверх ще не просохла шару фарби, «відбувається з'єднання двох начал - живописного і графічного». В ескізах і етюдах картин художників-передвижників природний і навіть неминучий ефект незавершеності починає усвідомлюватися як особливу перевагу техніки, важливий естетичний прийом.

У 1870-і роки молоде покоління художників як би заново розкриває можливості акварелі. Вона не публічна, це техніка «для себе», що дає абсолютну свободу самовираження. Так зовсім незвичного, «невідомого» Крамського демонструють нам його пейзажні «Хвіртка в саду» (1874 г.), «Сільський дворик у Франції» (1876 г.), «В гаю Медон поблизу Парижа» (1876 г.), «Гапсаль »(1878 г.). Важко повірити, що життєрадісні багатобарвні роботи, виконані натхненно й артистично, належать пензлю художника, якого в живопису відрізняють розсудливість, емоційна стриманість, скуповуючи колірна гамма. Вражає не стільки навіть «несучасним» цих маленьких шедеврів, їх невідповідність живописній манері Крамського-художника і системі поглядів Крамського-теоретика мистецтва і громадського діяча, скільки сама потужність його колористичної обдарованості, що не знайшла вихід в мальовничій практиці.

З 1860-х років дуже інтенсивно вибудовується лінія розвитку пейзажу в сепії в роботах Л.Ф. Лагоріо, А.П. Боголюбова, Ф.А. Васильєва та І.І. Левітана. Їх об'єднує благородство і артистизм виконання, що грунтуються на нескінченній різноманітності прийомів володіння пензлем, характер її дотиків до паперу, на різного ступеня опрацювання поверхні і навантаженості барвистого шару.

Для багатьох майстрів-передвижників звернення до акварелі було одиничним, епізодичним. Однак в акварелі результати їх художніх пошуків проявляються раніше або прочитуються ясніше. Так, зіставлення робіт І.І. Левітана і В.А. Сєрова 1890 - 1900-х років дозволяє вловити той момент в історії пейзажу, коли в акварелі народжується «психологічний пейзаж», передає стан природи, її настрій - «Ніжну, прозору красу російської природи, її сумне чарівність».

Потужний імпульс в осягненні особливо мови акварелі и усвідомленні ее естетичних можливий дает Введення Вивчення цієї техніки в програму Вищих мистецьких Навчальних Закладів. Много в чому новий зліт в акварельного живопису на рубежі XIX - XX століть пов'язаний з діяльністю П.П. Чистякова, ВІН БУВ здійсненій его учнями - В.І. Сурікова, В.А. Сєровім и М.А. Врубелем. Феномен «Чістяківській школи» Полягає в несхожості Вийшла з неї художників. Чистяков володів особливим даром виявляти і розвивати індивідуальні риси, манеру письма кожного з них, «вказати шлях» (за висловом Сурикова).

У творчості молодших учнів Чистякова - Врубеля і Сєрова - акварель знаходить значущість, яку можна порівняти з їх живописними творами. Працюючи буквально поруч, «рука в руку», кожен з них пройшов власний шлях в акварелі. Обдарований однаково щедро талантом художника і колориста Сєров виробив таку систему письма аквареллю, де лінія і колір нероздільні. Він бачив предмети узагальнено, втілюючи їх на аркуші паперу як лаконічні пластичні формули, одним рухом кисті моделював форму і повідомляв їй колір. За своєю природою акварель Сєрова тяжіє до графіку, підкоряючись законам цього виду мистецтва в ставленні до поверхні листа, принципам побудови простору і форми, ступеня умовності мови. Колористична гама робіт художника стримана, побудована на множинності найтонших градацій тону, різноманітності нюансувань і відтінків, її благородний сірий колір здатний висловити все колірне різноманіття світу. Дивовижні його акварельні начерки «В дорозі» (1900-і рр.) І «Греція. Острів Крит »(1907 г.). Підійшовши до них до якоїсь межі предметного світу, до граничної ступеня умовності мови, допустимої в рамках пластичної системи того часу, Сєров зачіпає завдання майбутнього художнього покоління.

Врубель володів рідкісною схильністю до роботи аквареллю. Вражаюче, що вже його перші акварельні опуси «Голова дівчинки» (1882 г.), «Е.М. Бем, що сидить в кріслі »(1882 г.),« За кухлем пива »(1883 г.), виконані в період навчання в Академії, позбавлені нальоту учнівства, видають руку зрілого аквареліста. Художник миттєво усвідомив величезні перспективи, які відкривала саме його художнім потребам акварельний техніка. Акварельний манера Врубеля дуже різноманітна: в «Перській принца» (1886 г.) він вислаівает простір листа дрібними, ретельно нюансированной за кольором мазками, скрупульозно наступними формі; в «Портреті артистки Т.С. Любатовіч »(1890-е) створює зображення великими плямами, вільними затеками, немов підкоряючись примхливому течією фарби. У своїй знаменитій «Розе» (1904 г.) Врубель вдумливо конструює форму, немов прагнучи проникнути в таємниці будови натури, передати енергію тугих пелюсток розпускається квітки. У майже позбавлених кольору монохромних ілюстраціях до «Демона» М.Ю. Лермонтова (1891 г.), нескінченно варіюючи прийоми нанесення фарби, Врубель створив особливу вібруючу рухливу середу - аналог поетичної матерії лермонтовського тексту. Вибір «стилю» визначився лише вимогами конкретного задуму, художнього образу.

Окремо в історії акварелі варто творчість В.Е. Борисова-Мусатова. Художник приходить до неї лише в останні роки життя - в період повного володіння мальовничою формою. Колористична насиченість і відчутність фактури його робіт маслом і темперою в пізніх акварелях «Балкон восени» (1905 р), «Реквієм» (1905 р) обертаються прозорістю, «Нематеріальні» кольору, грою півтонів, приглушених розмитих фарб, що тануть тіней.

Відродження загального інтересу до акварелі відбулося в останні десятиліття XIX століття. Регулярні виставки, створення «Товариства руських акварелістів» (1887 р) сприяли значному поширенню техніки, підвищенню її статусу. Програма Товариства не мала ідеологічного спрямування, в його складі мирно уживалися представники різних напрямків, об'єднані захопленістю мистецтвом акварелі. М.Я. Вілліє, Е.С. Вільє де Ліль-Адан, П.П. Соколов, Р.Ф. Ференц, І.А. Александров, А.С. Егорнов, Р.А. Берггольц, Альберт М. Бенуа. Деякі з цих художників працювали виключно як акварелісти і, може бути, тому залишилися майже непомітними для «загальної» історії мистецтв. Проте, завдання, збереження і передачі традицій акварельного школи початку XIX століття і підготовки для нового злету акварелі «Товариство руських акварелістів» безсумнівно, виконало. Акварель знову почали сприймати як самостійну, що володіє власною мовою область образотворчого мистецтва.

Багато представників Товариства стали вчителями для наступного покоління художників. Так, під керівництвом блискучого майстра Альберта Бенуа освоювали цю техніку багато майбутні члени мистецького об'єднання «Світ мистецтва» Л.С. Бакст, А.Н. Бенуа, К.А. Сомов. Цікаво, що творці високої графічної культури - «міроіскуснікі» старшого покоління - в своїй творчості не часто зверталися до техніці чистої акварелі. У «графічних картинах», фантазіях на історичну тему вони тяжіли до більш щільному корпусного письма і віддавали перевагу гуаші та темпері, але прийоми роботи в цих техніках часто залишалися акварельними.

Радянська школа акварелі сприйняла і продовжила традиції професійної майстерності художників попередніх поколінь. Роль акварельного живопису була підкреслена великими Всесоюзними акварельними виставками, перша з яких відбулася в Москві в 1965 році. Серед російських майстрів ХХ століття імена Миколи Тирси (1987-1942), Сергія Герасимова (1885-1964), Анна Остроумова-Лебедєва (1871 - 1955), Георгія Верейського (1886-1962), Володимира Конашевича (1888-1963), Олександра Самохвалова (1894-1971), Семена Пустовойтова (1921-1995), Володимира Ветрогонского (1923-2002), Віктора Семеновича Клімашіна (1912-1960).

Така в загальних рисах історія розвитку російської акварелі до початку 21 століття. Ее особлівість Полягає в тому, что в России НЕ Було відокремленої подготовки вузьких спеціалістів-акварелістів. Намітився в кінці ХХ століття зростання інтересу до акварелі, змінив положення речей. В даний час досить багато професійних художників-акварелістів і шкіл акварельного живопису. Акварель є невід'ємною частиною навчання дітей класичного живопису.